Imágenes en Movimiento (antes fotografía)

Es evidente que no se nos fue asignado el ver esta película en base a los las escenas predominantemente cómicas que fluyen con la trama, y mucho menos para contemplar ese fallido romanticismo que surge como plano secundario entre el protagonista y la vocalista. ¿El propósito? Visualizar de una forma romantizada, y por consiguiente muy entretenida los aspectos técnicos presentes en el proceso de filmación. Visto desde otro punto no tan alejado, podría ser también entender más claramente, a que se ha de referir en las primeras clases de visualizar el video como un trabajo en conjunto que se soluciona de mejor manera cuando es tratado con especializaciones individuales, en lugar de que el creador realice todas las generalidades. Para justificar lo mencionado, he de resaltar el punto central de la trama, donde gira en base a la especialización de Winter y la convivencia que maneja con el resto del equipo de creación de la película que se supone están grabando. Fuera de aquellas escena

Comenzando con lo que llega a ser fundamentalmente visible entre ambos trabajos filmográficos, fuera del periodo de realización, no existe una unión temática o escénica visible. Si acaso, la premisa y objetivo de ambas creaciones prevalecen como opuestos totales. He aquí porque. La película de Griffith planteó una narrativa determinada, cuyo objetivo sería el de contar una historia con el que el público pudiera lograr una conexión. Siendo que es cine mudo en su máximo apogeo, no existen referencias definitivas que lograsen guiar al público ni a los actores sobre un patrón de comportamiento, fuera de aquel delimitado por el teatro. He aquí el origen de tan curiosos ademanes. Mientras tanto, con el hombre de la cámara no había actores ni preocupación (cuando menos no tan directa) por el modo en que el público captaría dicho fenómeno. No hay historia, sino una serie de exploración de los fundamentos de una cámara de video y un camarógrafo que parece divertirse demasiado con ella. Sint

Ante la urgencia de buscar los antecedentes de la historia del cine fuera de los ya existentes planteados por default en este capítulo, (Lumiere y Edison son resaltados con suma importancia), se hace una comparación categórica con extensión de la explicación en orden de importancia. Si se pone en foco los estudios de Muybridge, por ejemplo apenas si es mencionado en media página, y eso tan sólo es indicado para complacer como una referencia histórica. Acentúo este dato por dos motivos. Primero, porque siendo que se le ha dedicado (junto con Marey) poco más de clase y media en este semestre, cuento con una visión personal que le otorga suma importancia a la creación del cine (o cuando menos el desarrollo del video, pero van de la mano). Segundo: se desarrolla como parcial antecedente a las marionetas chinescas de sombras. No les asociaría dicha importancia si en este texto no se le hubiera dedicado dos páginas de desarrollo si se cuenta el antecedente específico de ellas, y la reper

Mientras investigaba la existencia individual de la mayoría de los cortometrajes mencionados en este segundo capítulo, en un momento de ocio (como muy recurrentemente surge la inspiración para las entradas de este blog) me puse a leer los comentarios correspondientes a algunas películas de los Lumiere (desde YouTube, porsupuesto). Una ves filtradas todas aquellas burlas por la llegada del tren a la Ciotat, y aquellos comentarios indecifrables en francés, me topé con uno que verdaderamente captó el ojo y desató el intento para una mayor contemplación por el resto de las grabaciones que terminé viendo en esa ocasión. Este comentario correspondió a "Repas De Bebe", y parafraseando al español, vagamente diría "No creo que las personas entiendan cual hermoso e impresionante es esto". Porsupuesto que este comentario se encuentra lo más alejado posible de un analisis detallado de esta película, tan sólo fué un punto de partida que me ayudó a entender las bases creativas de

Aunque es claro  que las artes visuales precede en centenarios a la historia del cine, estas primeras han modificado el escenario actual de desarrollo de la película. No me refiero necesariamente al "arthouse" como experiencia experimental semiligada a la falta de un público masivo, por lo contrario, son aquellos filmes que mueven masas los que han sido vinculadas con corrientes más típicamente visual, siendo capaz de influenciar una corriente de pensamiento muy explotada en el cine. Fué el postmodernismo auquella visión que le permitió a la cámara hacer el salto fuera de la convencionalidad narrativa para permitir resumir a pensamientos subjetivos. El propósito: ver la obra como la finalidad, no como vehículo de transmisión. Dicho esto, se han desembocado estilos plásticos individales, priorizando la estética como en el caso de Peter Greenway o Tarantino (en su época temprana), ambos enfocando el pequeño relato sobre aquel que presentaría una verdad absoluta.

Hubo un ligero toque de emoción previo a la película, seguido en corto de uno de microdesesperación al descubrir que la versión elegida no contaba con tema musical. Película muda en lo más puro de su ser. El motivo de la emoción fue por la oportunidad de revivir recuerdos tras el poder ver un conjunto de imágenes. Curioso, porque ese infiero pudo ser una temática tratada; poetizar recuerdos como imágenes para que la cápsula de tiempo no parezca sólo un registro científico. Cuando menciono este filme como cápsula temporal, no sólo me refiero a que toda la grabación fue llevada a cabo a inicios del siglo pasado, eso va de sobra. Se puede ver reflijado tiempo y lugar por los motivos de grabación: centros urbanizados y característicos de una ciudad en creciente desarrollo. Mencionaba el tema de la necesidad de la banda sonora, pues aporta a un ambiente en relación a la imagen, esta siendo moldeada de acuerdo a la melodía.

Resaltaba entre escaparates, estaba anunciado en estantes de más de dos metros cuadrados, se podía ver a través de vitrinas adornadas con maniquies vestidos de magos que mostraban entre carteles un "juguete de novedad", el juguete moderno que todo niño debería tener, maravilla para chicos y grandes, etcétera, etcétera. Es evidente que este artefacto estaba sobreanunciado, con el ego inflado, y posiblemente no se merece la fascinación que provocaba. Pero aunque en los escaparates se anunciaba como "una novedad", se trataba de un juguete óptico. En sí el juguete anunciado es una caja con una manivela (similar a un quinetoscopio) donde al girarla aparece la animación perteneciente a la serie fotográfica del caballo de Marley (pues de moderno el juguete no tiene nada). Pero de que el juguete causaba fascinación a chicos y grandes, allí si no hay como contrariar a todas las tiendas departamentales y de regalo de las Vegas. Yo mismo estuve pegado a lo que sería la pantall

Podría designar esta primera parte del título como "falta de", pero si es que dejo esta sección en blanco estaría mintiendo. Puede que sea muy poca, y no en su totalidad con fines artísticos, pero sí existe algo de experiencia. Lo más reciente, realizado a mediados de este último semestre fué una colaboración con una compañera de clases (Daniela de la Torre) donde intervinimos las areas vedes del parque hundido. Sin embargo, el fín de la grabación era para tener un registro de la acción, más que el video como pieza terminada. Como registro he hecho varios, pero no los considero adecuados para publicarlos, pues no son un fin, sino tan sólo el registro de un proceso. El único video "artístico" dónde sí le dí importancia a la parte visual, lo hice en colaboración con otro compañero del semestre pasado (Luis Antonio Carrasco), sin embargo, el proceso de grabación y edición fueron por parte de una pequeña compañía de grabación. Estuve involucrado en la creación, pero no

No tiene tanto caso mencionarlo, pero me parece una fascinante casualidad el haber visto éste específico largometraje de Eisenstein, y al poco tiempo descubrir que también es el aniversario de nacimiento de Tina Modotti. Me puse a buscar paralelismos en cuanto a obra (quizá por puro morbo o curiosidad) pero vaya que hay bastantes. Comenzaré con lo obvio; tanto Modotti como Eisenstein se insertan en un México apenas post revolucionario con ojos de extranjero. Quizá sea por las influencias socialistas con las que encontraron inmersos por tal o cual motivo, o porque la vida rural Mexicana es aquella que siempre se ha mantenido tan icónica al mundo. Pero es a través de los ojos del pueblo el punto de partida por donde se aborda tanto la película como las influencias fotográficas de Modotti. Pero mientras una busca la distribución para concientizar sobre un específico modo de vida, el otro romantiza las historias en su film ("una carta de amor" por tratarlo de un modo cliché) .Pe